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Let’s Go Fetch Water!!! (ornamental version) / A por agua!!! (version ornamental)

5 noviembre, 2026

In 2019, we created Let’s Go Fetch Water! in Washington, D.C., a waterfall of illuminated buckets addressing the universal right to drinking water. We chose an everyday object used in many places to collect and carry the water needed to live. A simple container that holds the effort of those who must fetch water every day to supply their homes.

For those of us accustomed to turning on a tap, it is difficult to imagine what it can take to obtain a bucket of water. Elsewhere, that same act requires walking, waiting, filling containers and making the journey home carrying them. A journey repeated day after day, consuming time, exhausting the body and shaping daily life. Work that frequently falls to women.

The value of water becomes very tangible when you have to carry it. Every litre has weight; every drop spilled means losing part of the effort it took to collect it. The water brought home must be shared between needs that cannot wait: drinking, cooking, washing and caring for others. Scarcity forces people to make choices and go without.

In the original installation, the buckets received and distributed the water, passing it slowly from one to another. This journey allowed us to draw attention to something that often goes unnoticed: everything that must happen for water to reach us.

The initial sketches also included an ornamental fountain. We are now returning to that possibility, developing new compositions using the same element: the bucket used to fetch water.

We are interested in bringing this modest object into the language of the fountains that decorate our cities. Building columns, stepped volumes or large walls of water, introducing into these forms associated with abundance a container that, elsewhere, represents its absence and the work required to obtain it.

The repetition of the buckets makes that accumulated effort visible. Each can hold a small amount; together, they occupy an enormous space. Water passes from one container to the next, depending on each being carefully positioned to continue its journey. We want this movement to encourage people to look closely, listen and recognise its value.

The buckets, whole and all of the same model, are arranged on an internal structure and tilted to receive water from the level above and pass it to the next. A freestanding pool collects the falling water and returns it to a closed circuit, reducing consumption. Internal lighting reveals the containers and follows the water’s journey at night.

The proposal can take different forms and dimensions according to the space and available resources. It retains a modular construction using ordinary materials and components that can be dismantled, repaired and used again.

A fountain that invites us to pause before water and remember that having it close at hand, clean and sufficient, should be an everyday right for everyone.

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En 2019 realizamos en Washington A por agua!, una cascada de cubos iluminados que hablaba del derecho universal al agua potable. Elegimos un objeto cotidiano, utilizado en muchos lugares para recoger y transportar el agua necesaria para vivir. Un recipiente sencillo que lleva consigo el esfuerzo de quienes deben ir a buscarla cada día para abastecer sus hogares.

Para quienes estamos acostumbrados a abrir un grifo, resulta difícil imaginar cuánto puede costar conseguir un cubo de agua. En otros lugares, ese mismo gesto exige caminar, esperar, llenar los recipientes y emprender el regreso cargando con ellos. Un recorrido que se repite y que ocupa tiempo, agota el cuerpo y condiciona la vida cotidiana. Un trabajo que recae con frecuencia sobre las mujeres.

El valor del agua se vuelve muy concreto cuando hay que transportarla. Cada litro pesa; cada gota derramada supone perder una parte del esfuerzo realizado. El agua que llega a casa debe repartirse entre necesidades que no pueden aplazarse: beber, cocinar, lavarse, cuidar de otras personas. Su escasez obliga a decidir y a renunciar.

En la primera instalación, los cubos recibían y repartían el agua, haciéndola pasar lentamente de unos a otros. Ese recorrido nos permitía detener la mirada en algo que suele pasar inadvertido: todo lo que debe suceder para que el agua llegue hasta nosotros.

Los bocetos iniciales contemplaban también una fuente ornamental. Retomamos ahora esa posibilidad para desarrollar nuevas composiciones con el mismo elemento: el cubo de ir a buscar agua.

Nos interesa trasladar este objeto modesto al lenguaje de las fuentes que adornan nuestras ciudades. Construir con él columnas, volúmenes escalonados o grandes paredes de agua, introduciendo en esas formas asociadas a la abundancia un recipiente que, en otros contextos, representa su ausencia y el trabajo necesario para conseguirla.

La repetición de los cubos hace visible la acumulación de ese esfuerzo. Cada uno puede contener una pequeña cantidad; juntos ocupan un espacio enorme. El agua pasa de un recipiente al siguiente y necesita que todos estén bien colocados para continuar su camino. Queremos que ese movimiento invite a observarla con atención, a escucharla y a reconocer su valor.

Los cubos, enteros y de un mismo modelo, se disponen sobre una estructura interior y se inclinan para recibir el agua del nivel superior y repartirla hacia el siguiente. Una piscina desmontable recoge las caídas y permite devolver el agua al circuito, reduciendo el consumo. La iluminación interior hace visibles los recipientes y acompaña el recorrido durante la noche.

La propuesta puede adoptar distintas formas y dimensiones según el espacio y los recursos disponibles. Mantiene una construcción modular con materiales comunes y elementos que puedan desmontarse, repararse y volver a utilizarse.

Una fuente para detenernos ante el agua y recordar que disponer de ella cerca, limpia y suficiente debería ser un derecho cotidiano para todas las personas.

A Place to Rain / Un lugar donde llover

9 septiembre, 2026

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As the effects of climate change become increasingly evident — although some, for economic or political reasons, go to great lengths to deny it — we find ourselves looking with growing unease at natural phenomena that until recently were simply part of everyday life.

Rain, wind, sunshine, clouds, tides and even eclipses once excited us, and we could enjoy them in all their beauty. Now they arrive accompanied by warnings, predictions and unsettling forecasts. Every new weather event seems to announce a threat of biblical proportions.

In this state of fear, fuelled and amplified to the point of drama, we miss being able to look out of the window and watch the rain, or lie in the sun, without wondering what unfortunate consequence something that used to feel so ordinary might bring this time — now that it so often arrives in excessive, unpredictable or alarming ways.

Thinking about what we can contribute to this anomaly through our work — increasingly focused on care, enjoyment, simple things, basic analogue interaction and always on respect for the environment — we imagine A Place to Rain: a light installation in which it rains, a place extraordinary precisely because of its simplicity. Somewhere to stop and, in a way, take shelter within the rain itself. With no rush and no fear, allowing ourselves the pleasure of touching the water, getting wet and playing with it without thinking about anything else.

Using the same basic tools we usually work with — light, water, sound, everyday objects and low technology — we focus on rain as a physical experience: light catching the drops, water striking metal and the simple pleasure of getting wet, walking under an umbrella or jumping into a puddle.

To create it, we imagine a truss structure from which hundreds of deliberately basic lamps hang: simple metal shades in a few different sizes, fitted with traditional cool-white bulbs. We suspend them at different heights and with no obvious order, creating a dense, luminous and seemingly chaotic ceiling.

On the same structure, we install small water diffusers that release the rain from above. The water strikes the lamps, runs over the metal and jumps from one to another before falling onto the people and the floor.

By positioning the lights at different levels, we allow the water to generate reflections, backlighting, shadows and flashes that change continuously as the drops move through the installation.

Sound is also essential to us. Thousands upon thousands of drops hit metal surfaces of different sizes and at different heights. Sharp impacts mix with dripping, small cascades and the sound of water falling onto umbrellas and the platform below. Almost a symphony of rain, made only from water and metal.

To avoid wasting water, we make the whole installation operate as a closed circuit. The rain falls onto a permeable platform and disappears beneath our feet. There, we collect and filter it before a system of pumps sends it back up to the diffusers to begin the cycle again.

We want each person to decide how to enter. Some may choose simply to get wet; others may use an umbrella; others may put on rain boots and a raincoat. We will make all of these available at the entrance so that every visitor can choose their own way of experiencing the work.

For us, the important thing is to step inside. We do not imagine this rain as something to contemplate from the outside, but as something to stand beneath, listen to, feel and share.

To remember how much we missed the rain, to appreciate again the beauty it brings to the landscape and the sense of wellbeing it brings to humans and non-humans alike, we have found ourselves taking refuge in cinema and looking at rain again through the eyes of great filmmakers. Some of you will probably recognise where our inspiration came from. We are not going to reveal it; we would rather not be so obvious. But we do want to thank the Chinese masters who still know how to pause over the smallest things and make them immense.

A medida que los efectos del cambio climático se hacen más evidentes —aunque algunos, por intereses económicos o políticos, se toman muchas molestias en negarlo— nos descubrimos mirando con desasosiego fenómenos naturales que hasta hace poco formaban parte de nuestra vida cotidiana.

La lluvia, el viento, el sol, las nubes, las mareas e incluso los eclipses antes nos ilusionaban y podíamos disfrutarlos en toda su belleza. Ahora llegan acompañados de alertas, predicciones y vaticinios inquietantes. Cada nuevo acontecimiento climático parece anunciar una amenaza de dimensiones bíblicas.

En este estado de miedo alimentado y amplificado hasta el dramatismo, echamos de menos poder asomarnos a la ventana a mirar cómo llueve o tumbarnos al sol sin preguntarnos qué desgraciada consecuencia tendrá esta vez algo que hasta hace poco formaba parte de lo cotidiano y que ahora suele llegar de forma excesiva, imprevisible o alarmante.

Pensando en qué podemos aportar a esta anomalía desde nuestro trabajo —cada vez más centrado en el cuidado, el disfrute, las cosas sencillas, la interacción analógica y básica, y siempre desde el respeto al medio ambiente— imaginamos Un lugar donde llover: una pieza de luz en la que

llueva, un lugar extraordinario por su simpleza donde detenernos y, de alguna manera, resguardarnos dentro de la propia lluvia. Sin prisa y sin miedo, dejándonos llevar por el placer de tocar el agua, mojarnos y jugar con ella sin pensar en nada más.

Con herramientas tan básicas como las que usamos habitualmente —luz, agua, sonido, objetos cotidianos y baja tecnología— buscamos poner en valor la lluvia como experiencia física: la luz sobre las gotas, el agua golpeando el metal y el placer sencillo de mojarse, caminar bajo un paraguas o saltar sobre un charco.

Para hacerlo, imaginamos una estructura de trust de la que cuelgan cientos de lámparas deliberadamente básicas: tulipas metálicas sencillas, en unos pocos tamaños, con bombillas tradicionales de luz fría. Las colocamos a distintas alturas y sin demasiado orden, formando un techo luminoso, denso y aparentemente caótico.

Sobre esa misma estructura instalamos pequeños difusores que dejan caer el agua desde arriba. La lluvia golpea las lámparas, resbala por el metal y salta de unas a otras antes de caer sobre las personas y el suelo.

Al colocar las luces a distintos niveles, conseguimos que el agua genere reflejos, contraluces, sombras y destellos que cambian continuamente mientras las gotas atraviesan la instalación.

También pensamos mucho en el sonido. Miles y miles de gotas golpean superficies metálicas de distintos tamaños y alturas. Se mezclan impactos secos, goteos, pequeñas cascadas y el sonido del agua sobre los paraguas y la tarima. Casi una sinfonía de lluvia construida únicamente con agua y metal.

Para no desperdiciar agua, hacemos que toda la instalación funcione en circuito cerrado. La lluvia cae sobre una tarima permeable y desaparece bajo nuestros pies. Allí la recogemos, la filtramos y, mediante un sistema de bombas, la impulsamos de nuevo hasta los difusores para volver a empezar.

Queremos que cada persona decida cómo entrar. Algunos preferirán mojarse directamente; otros usarán un paraguas; otros se pondrán unas botas de agua y un chubasquero. Dejaremos todo este material disponible a la entrada para que cada visitante pueda escoger su propia manera de vivir la pieza.

Para nosotros, lo importante es entrar. No imaginamos esta lluvia para contemplarla desde fuera, sino para meternos debajo, escucharla, sentirla y compartirla.

Para recordar cuánto echábamos de menos la lluvia y apreciar de nuevo la belleza que aporta al paisaje y el bienestar que produce en humanos y no humanos, hemos tenido que refugiarnos bastante en el cine y volver a mirar la lluvia a través de los ojos de grandes directores. Seguramente alguien reconocerá de dónde nos ha venido la inspiración. No vamos a desvelarla; preferimos no ser tan evidentes. Pero vaya por delante nuestro agradecimiento a maestros chinos que todavía saben detenerse en las cosas mínimas y hacerlas enormes.

Beauty Spots

9 julio, 2026

At Luzinterruptus, we usually use light to talk about contemporary issues that interest us. This time, however, we have decided to reflect on light itself through one of the most common objects in our everyday lives. This is how Beauty Spots was born.

Nearly two hundred commercial selfie lighting kits—each consisting of a small LED light and a telescopic tripod—come together to form a large cloud of light through which visitors can wander in search of the place where they look their best.

Seen from a distance, the installation appears as a single luminous landscape. Only when approaching does the visitor discover that this cloud is built entirely from a wide variety of commercial selfie lighting devices, all different yet instantly recognizable.

The installation invites visitors to use these objects exactly as they were designed: to illuminate their faces, take a selfie, record a video, or simply observe how their appearance changes as they move through the space. What normally takes place in the privacy of a room is transferred into the public realm, where hundreds of people perform the very same gesture simultaneously. Each visitor experiences something deeply personal while, almost without realizing it, sharing it with everyone else.

The seemingly random arrangement of the cloud is, in fact, carefully organized. The height, density and colour of every light source become the installation’s real rules of use. They determine where visitors choose to stand, how they position their bodies, and the kind of image they ultimately create.

The installation can be adapted to different venues through two mounting systems. Indoors, the lighting kits are suspended from an overhead structure, keeping the floor completely free of obstacles. Outdoors, the tripods are fixed to a platform that ensures their stability while allowing the wiring to be neatly integrated and concealed. In both cases, the spatial configuration and the visitor experience remain unchanged.

The installation is organized into three concentric rings, each with a different combination of light height, density and colour.

The first ring offers the most comfortable and natural experience. The lights emit a soft, even white illumination positioned at face level for a standing visitor. The result is a clean, flattering image that subtly softens facial features while remaining natural. As it is the least dense area, it also offers the fewest available positions.

Towards the second ring, the white light gradually shifts into pastel blues, pinks and violets. The lights become lower, encouraging visitors to sit or kneel. The illumination no longer simply reveals the face but begins to reinterpret it, bringing it closer to the sweet, idealized aesthetic so familiar from filters, video games, cartoons, clouds, soap bubbles, unicorns and much of today’s visual culture.

In the third ring, any sense of naturalness disappears. The light becomes intensely saturated and the fixtures are positioned close to the ground, forcing increasingly awkward body positions. Faces are illuminated from impossible angles and distorted both by colour and posture. Little by little, it is the body that ends up yielding to the light, rather than the other way around.

Yet the experience is shaped not only by the installation itself. The most comfortable and flattering positions are also the scarcest, and they are quickly occupied by those who arrive first. The presence of others inevitably influences everyone’s choices. Waiting, settling for a less favourable spot or moving deeper into the cloud becomes a natural part of the experience. Without consciously intending to, each visitor constantly negotiates between comfort, appearance and the availability of space.

From inside the installation, the experience feels deeply intimate. Each visitor focuses entirely on the small area of light surrounding them. Yet stepping back only a few metres reveals a very different image: hundreds of people searching for exactly the same thing at exactly the same time. What feels like an individual experience from within becomes a collective behaviour when seen from outside.

The installation is built entirely from readily available commercial components. The lighting kits can either be suspended from an overhead structure or fixed onto a platform where the tripods are securely anchored. Both solutions reproduce the same spatial configuration through a modular system that is easily scalable and adaptable to different spaces, budgets and exhibition contexts.

For centuries, light expanded our ability to inhabit the world. It allowed us to extend the day, make roads safer and reveal what remained hidden. Today it continues to do so, but it also transforms what it illuminates. Architecture, landscapes and, ultimately, people have become stages where light no longer simply reveals reality but also interprets, enhances and edits it. The small LED lights used every day for video calls and selfies are perhaps the most ordinary expression of this transformation and epresent the domestic version of a much broader transformation. We aim to bring this phenomenon into the public realm, making it visible and shared.

Hopefully, we’ll be able to bring it to life soon. We don’t think we’ve made it too difficult this time either.

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En Luzinterruptus solemos utilizar la luz para hablar de temas contemporáneos que nos interesan. En esta ocasión, sin embargo, hemos decidido reflexionar sobre la propia luz a través de uno de los objetos más comunes de nuestra vida cotidiana. Así nace Beauty Spots.

Cerca de doscientos kits comerciales de iluminación para selfies —compuestos por un pequeño difusor LED y un trípode telescópico— forman una gran nube de luz por la que el público puede caminar buscando el lugar desde el que verse mejor.

Vista desde lejos, la instalación se percibe como un único paisaje luminoso. Solo al aproximarse el visitante descubre que esa nube está construida íntegramente con una gran variedad de pequeños dispositivos comerciales de iluminación para selfies, todos diferentes pero perfectamente reconocibles.

La instalación invita a utilizar estos objetos para aquello para lo que fueron concebidos: iluminar el rostro, hacerse un selfie, grabar un vídeo o simplemente observar cómo cambia nuestra apariencia al desplazarnos por el espacio. Lo que normalmente sucede en la intimidad de una habitación se traslada aquí al espacio público, donde cientos de personas realizan simultáneamente el mismo gesto. Cada visitante vive una experiencia profundamente personal, aunque la comparte, casi sin darse cuenta, con todos los demás.

La aparente disposición caótica de la nube responde a una organización muy precisa. La altura, la densidad y el color de cada punto de luz constituyen las verdaderas reglas de uso de la instalación. Son ellas las que determinan dónde situarse, cómo colocar el cuerpo y el tipo de representación que cada visitante obtiene.

La instalación puede adaptarse a distintos espacios mediante dos sistemas de montaje. En interiores, los kits de iluminación se suspenden desde una estructura superior, dejando el suelo libre de obstáculos. En exteriores, los trípodes se fijan sobre una plataforma o tarima que asegura su estabilidad y facilita la integración del cableado. En ambos casos, la configuración espacial y la experiencia del visitante permanecen inalteradas.

La instalación se organiza en tres anillos concéntricos, cada uno con una configuración distinta de altura, densidad y color de la luz.

El primer anillo reúne los puntos de luz más cómodos y naturales. Los difusores emiten una luz blanca, uniforme y favorecedora, situada frente al rostro de una persona de pie. La iluminación suaviza discretamente las facciones sin dejar de parecer natural. Al ser la zona menos densa, también ofrece el menor número de posiciones.

Hacia el segundo anillo, la luz blanca evoluciona hacia tonos azules, rosas y violetas pastel. Los difusores descienden y el cuerpo comienza a adaptarse a su altura, invitando a sentarse o arrodillarse. La iluminación deja de limitarse a mostrar el rostro para empezar a reinterpretarlo, acercándolo a esa estética amable y edulcorada tan presente en filtros, videojuegos, dibujos animados, nubes, pompas, unicornios y buena parte de nuestra cultura visual contemporánea.

En el tercer anillo desaparece cualquier intento de naturalidad. La luz evoluciona hacia colores intensos y saturados. Los difusores se sitúan muy cerca del suelo y el cuerpo adopta posturas cada vez más forzadas. Los rostros aparecen iluminados desde ángulos imposibles y deformados tanto por el color como por la posición del propio visitante. Poco a poco, el cuerpo termina doblegándose a la luz, y no al contrario.

Pero la experiencia no depende únicamente de la propia instalación. Las posiciones más cómodas y favorecedoras son también las más escasas y serán ocupadas por quienes lleguen primero. La presencia de los demás condiciona inevitablemente las decisiones del resto. Esperar, conformarse con una posición menos favorable o desplazarse hacia el interior de la nube pasa a formar parte natural de la experiencia. Sin proponérselo, cada visitante negocia continuamente entre comodidad, apariencia y disponibilidad del espacio.

Desde el interior de la instalación la experiencia resulta profundamente íntima. Cada visitante concentra toda su atención en el pequeño espacio de luz que ocupa. Sin embargo, basta alejarse unos metros para descubrir otra imagen: cientos de personas buscando exactamente lo mismo al mismo tiempo. Lo que desde dentro parece una experiencia individual, desde fuera se convierte en un comportamiento colectivo.

La instalación está construida íntegramente con componentes comerciales de fácil adquisición. Los kits de iluminación pueden suspenderse desde una estructura aérea o instalarse sobre una plataforma o tarima donde los propios trípodes quedan anclados para garantizar su estabilidad. Ambas soluciones permiten reproducir la misma configuración espacial mediante un sistema modular, fácilmente escalable y adaptable a espacios, presupuestos y contextos muy diferentes.

Durante siglos la luz sirvió para ampliar nuestra capacidad de habitar el mundo. Nos permitió prolongar el día, hacer más seguros los caminos y descubrir aquello que permanecía oculto. Hoy sigue haciéndolo, pero también transforma aquello que ilumina. La arquitectura, los paisajes y, finalmente, las personas se han convertido en escenarios donde la luz ya no solo revela la realidad, sino que también la interpreta, la embellece y la edita. Los difusores LED utilizados diariamente para videollamadas y selfies son quizá la manifestación más cotidiana de ese cambio y representan la versión doméstica de una transformación mucho más amplia. Nosotros pretendemos trasladar ese fenómeno al espacio público para hacerlo visible y compartido.

Ojalá pronto podamos hacerla realidad. Esta vez tampoco lo hemos puesto demasiado difícil.

On Blank Pages / En hojas blancas. Brixen 2026

2 junio, 2026

Last May we participated in the Water Light Festival 2026 in Brixen (Italy) with our piece On Blank Pages.

The installation was presented in front of the city’s cathedral, as part of an edition dedicated to reflecting on peace under the theme “Imagine Peace.” For this occasion, we built a large circular wall of free expression measuring 12 meters in diameter and 3 meters in height, covered with thousands of blank pages illuminated from within, on which visitors could freely write and draw.

As in previous versions of the piece, we wanted to create a space where people could freely share opinions, questions, concerns, or proposals related to the theme proposed by the festival. Little by little, the pages filled with texts and drawings about peace, coexistence, contemporary conflicts, and the ways in which we imagine a better future.

Over the course of the festival, contributions accumulated progressively. Words, drawings, and messages covered the pages, creating a large collage of anonymous and intimate interventions. The occasional action of the wind moved the sheets and altered the reading of the whole, allowing the installation to constantly offer new compositions to those who visited it. For this version, we used an ecological water-resistant paper capable of withstanding the weather conditions throughout the festival without any problems.

As is often the case with this piece, participation began in the early morning and continued well into the night. The lighting transformed the installation after dark, but during the day the written pages continued to attract visitors in the same way. On this occasion, the installation coincided with numerous activities organized in the square, which encouraged many children to approach and intervene the notebooks. Their drawings, messages, and spontaneous ideas brought a special energy to the piece and entertained us throughout the festival.

On Blank Pages is a piece that we have carried out in numerous cities and countries over the years. Each new version incorporates the concerns and sensibilities of the people who inhabit it. In Brixen, the pages ended up gathering hundreds of reflections around a question as complex as it is necessary: how to imagine peace.

We would like to thank the entire Water Light Festival team for inviting us to take part in this edition and for accompanying us throughout the process. Special thanks to Nika, Hanna and Simon for their trust, support and help in bringing the project to life.

We would also like to thank the City of Brixen for welcoming the installation into such an extraordinary setting, the technical team for their excellent work and dedication, and all the residents and visitors who filled the pages with their contributions and helped build this collective archive of thoughts and wishes. And, of course, special thanks to Melisa Hernández for the photographic report.

Installation time: 3 days.
Damages: none.
Exhibition period: 17 days.

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El pasado mes de mayo participamos en el Water Light Festival 2026 de Brixen (Italia) con nuestra pieza «En hojas blancas».

La instalación se presentó frente a la catedral de la ciudad, dentro de una edición dedicada a reflexionar sobre la paz bajo el lema «Imagine Peace». Para ello construimos un gran muro circular de libre expresión de 12 metros de diámetro y 3 metros de altura, recubierto por miles de páginas en blanco iluminadas desde el interior, sobre las que los visitantes podían escribir y dibujar libremente.

Como en anteriores versiones de la pieza, queríamos crear un espacio donde las personas pudieran compartir libremente opiniones, preguntas, inquietudes o propuestas relacionadas con el tema planteado por el festival. Poco a poco, las páginas fueron llenándose de textos y dibujos sobre la paz, la convivencia, los conflictos contemporáneos y la manera en que imaginamos un futuro mejor.

A lo largo de los días, las intervenciones fueron acumulándose de manera progresiva. Palabras, dibujos y mensajes fueron cubriendo las páginas y creando un gran collage de aportaciones anónimas e íntimas. La acción ocasional del viento movía las hojas y alteraba la lectura del conjunto, haciendo que la instalación ofreciera continuamente nuevas composiciones ante los ojos de quienes la visitaban. Para esta versión utilizamos un papel ecológico resistente al agua, capaz de soportar sin problemas las condiciones meteorológicas durante todo el festival.

Como suele ocurrir con esta pieza, la participación comenzó desde las primeras horas de la mañana y continuó hasta bien entrada la noche. La iluminación transformaba la instalación al anochecer, pero durante el día las páginas escritas seguían ejerciendo la misma atracción sobre los visitantes. En esta ocasión coincidió además con numerosas actividades organizadas en la plaza, lo que hizo que muchos niños se acercaran a intervenir los cuadernos. Sus dibujos, mensajes y ocurrencias aportaron una energía especial a la pieza y nos divirtieron especialmente a lo largo de todo el festival.

«En hojas blancas» es una pieza que hemos llevado a cabo en numerosas ciudades y países a lo largo de los últimos años. Cada nueva versión incorpora las preocupaciones y sensibilidades de quienes la habitan. En Brixen, las páginas acabaron reuniendo cientos de reflexiones en torno a una cuestión tan compleja como necesaria: cómo imaginar la paz.

Queremos dar las gracias a todo el equipo del Water Light Festival por invitarnos a formar parte de esta edición y por acompañarnos durante todo el proceso. Gracias especialmente a Nika, Hanna y Simon por su confianza y apoyo.

También queremos agradecer a la ciudad de Brixen por acoger la instalación en un entorno tan extraordinario, al equipo técnico por su excelente trabajo, y a todos los habitantes y visitantes que llenaron las páginas con sus aportaciones y ayudaron a construir este archivo colectivo de pensamientos y deseos. Y, por supuesto, a Melisa Hernández por el reportaje fotográfico.

Tiempo de montaje: 3 días.
Daños ocasionados: 0.
Permanencia de la intervención: 17 días.

Caressing Zone / Zona de acaricias

12 mayo, 2026

With this installation we want to temporarily transform public space into a place of contact and shared softness. Caressing Zone is made up of hundreds of translucent arms and hands suspended above the audience, moving slowly with the wind and brushing against those who walk through the space. We are interested in introducing into the city an action normally reserved for intimacy: the caress.

The installation revisits ideas we have already explored in other works involving fragmented bodies, textile materials, light, and the sensitive occupation of urban space. In contrast to architectures shaped by hardness, speed, or control, we are interested in introducing soft, unstable elements connected to physical contact.

The arms are made from translucent fabrics similar to white women’s stockings. We chose this material for its fragility, lightness, and its ability to constantly react to air and light. We are not interested in creating perfect anatomical forms, but rather soft and changing textile presences activated by the wind and by the movement of visitors. The cold light placed in the upper part of each arm passes through the fabric, revealing seams, folds, and small deformations produced by movement and use.

We are also interested in working with materials historically associated with feminine, domestic, or invisible worlds. Here, the stockings are used as both structural and luminous elements, leaving the private sphere to occupy a monumental and collective structure within the city.

The installation clearly alters the behaviour of the audience. People slow down, look upwards, and move through the space differently, accepting the continuous brushing of the moving fabrics. The wind never moves the arms in exactly the same way, so the piece is constantly reacting to the environment and to the bodies passing through it.

Formally, the work is built using a large truss or scaffolding structure from which hundreds of pairs of arms are suspended. Each arm is made from a sewn textile sleeve stretched open at the top by a circular metal frame. Two frames are connected by a simple horizontal metal piece, similar to a small industrial hanger, allowing each pair of arms to hang from the main structure using a single suspension point.

Inside each arm we place a small cold light source, technically simple and easily accessible, which illuminates the fabric evenly from within without producing visible glare. We are not interested in technological spectacle, but in creating a faint, almost bodily presence. The fabric remains open thanks to the upper frame while the rest of the arm hangs freely and moves with the air.

The installation can adapt to different scales and configurations: immersive corridors, open squares, circular structures, or large walkable environments. Depending on the site, the density and height of the arms can be adjusted to create different levels of interaction with the public.

At night, Caressing Light feels like a large suspended organism floating above the city. From a distance, the arms appear as a luminous mass slowly moving with the wind; from inside, the experience becomes far more physical and tactile.

At a time like this, filling public space with gestures of care and caresses almost starts to feel like a subversive act.

We hope to see this installation come to life soon.

Con esta instalación queremos transformar temporalmente el espacio público en un lugar de contacto y suavidad compartida. Zona de caricias está formada por centenares de brazos y manos translúcidas suspendidas sobre el público, moviéndose lentamente con el viento y rozando a quienes atraviesan el espacio. Nos interesa introducir en la ciudad una acción normalmente reservada a la intimidad: la caricia.

La obra retoma ideas que ya hemos desarrollado en otras piezas alrededor del cuerpo fragmentado, los materiales textiles, la luz y la ocupación sensible del espacio urbano. Frente a arquitecturas pensadas desde la dureza, la velocidad o el control, nos interesa introducir elementos blandos, inestables y ligados al contacto físico.

Los brazos están realizados con tejidos translúcidos similares a medias femeninas blancas. Elegimos este material por su fragilidad, su ligereza y su capacidad para reaccionar constantemente al aire y a la luz. No buscamos formas anatómicas perfectas, sino presencias textiles suaves y cambiantes que se activan con el viento y con el movimiento de los visitantes. La luz fría situada en la parte superior atraviesa las telas y deja visibles costuras, pliegues y pequeñas deformaciones producidas por el uso y el movimiento.

También nos interesa trabajar con materiales asociados históricamente a universos femeninos, domésticos o invisibilizados. Las medias, utilizadas aquí como elemento estructural y lumínico, abandonan el ámbito privado para ocupar una estructura monumental y colectiva dentro de la ciudad.

La instalación modifica claramente el comportamiento del público. La gente reduce el ritmo, levanta la mirada y atraviesa el espacio de otra manera, aceptando el roce continuo de las telas en movimiento. El viento nunca mueve los brazos igual, de modo que la pieza está constantemente reaccionando al entorno y a los cuerpos que la recorren.

Formalmente, la obra se construye mediante una gran estructura metálica de truss o andamio de la que cuelgan centenares de parejas de brazos. Cada brazo está formado por una funda textil cosida y tensada en la parte superior mediante un bastidor circular metálico. Dos bastidores se unen mediante una sencilla pieza metálica horizontal, similar a una pequeña percha industrial, que permite colgar la pareja de brazos de la estructura principal con un único punto de suspensión.

En el interior de cada brazo colocamos una pequeña fuente de luz fría, sencilla y accesible técnicamente, que ilumina homogéneamente el tejido desde dentro sin producir destellos visibles. No buscamos espectacularidad tecnológica, sino una presencia tenue y casi corporal. Las telas permanecen abiertas gracias al bastidor superior mientras el resto del brazo cae libremente y se mueve con el aire.

La instalación puede adaptarse a distintas escalas y configuraciones: corredores inmersivos, plazas abiertas, estructuras circulares o grandes superficies transitables. Dependiendo del lugar, la densidad y altura de los brazos se ajusta para generar distintos niveles de interacción con el público.

Durante la noche, Luz que acaricia produce la sensación de un gran organismo suspendido sobre la ciudad. Desde lejos, los brazos aparecen como una masa luminosa moviéndose lentamente con el viento; desde dentro, la experiencia se vuelve mucho más física y táctil.

En un momento como el actual, llenar el espacio público de gestos de cuidado y caricias empieza casi a parecer un acto subversivo.

Esperamos poder ver esta instalación hecha realidad muy pronto.